Ciudad desplazada es una propuesta de tipo ficción/documental que toma al propio pueblo como escenario para reflexionar sobre su pasado, presente y futuro. La obra se plantea como una acción urbana que transita por las calles de Mairena del Alcor mientras es transmitida radiofónicamente en tiempo real, invitando a una participación activa de los espectadores y vecinos, quienes pueden acompañar su recorrido con aparatos de radio o escucharlo de forma remota en otros puntos del municipio, a través de Radio Mairena (107.3 FM). El centro de Mairena será el punto de inicio de la obra y el lugar específico será anunciado radiofónicamente y por redes sociales los días de las funciones. Esta propuesta se enmarca bajo el concepto de “teatro nómade”, el cual sigue la línea del trabajo realizado por José Miguel Neira como director del Proyecto Galaxia Sur y que en esta oportunidad se plantea en coproducción con Teatro Habitado para ser estrenada en el marco de la octava edición de Encuentro Emergentes.

Concepto y dirección: José Miguel Neira.
Investigación: José Miguel Neira, Irmina Majchrzak, Ana Moreno, Andrea Montalbán, Carlota Moreno, Cristina Mateos, Lucía Sutil, María Méndez, Pilar Gómez y Raúl Collantes.
Colaboración artística: Raffaella Menchetti, Joaquín Díaz, Florencia Wenzel, LauraLiz Gil Echenique, Irmina Majchrzak.
Fotografía: Lucía Sutil. Agradecimientos al Ateneo de Mairena del Alcor y a su presidente, Isidoro Pérez, al historiador José Manuel Navarro y al cantaor Calixto Sánchez.

Un perro y un grupo de adolecentes buscan a alguien que los quiera en un caluroso verano andaluz. Mis pequeños amores se filmó durante julio de 2018 en Mairena del Alcor y se pudo ver un adelanto del mismo en Emergentes 2018. Dirección: Sebastián Pereira. Guión: Teatro Habitado y Sebastián Pereira. Asistente de Cámara: Darío Rivera. Elenco: Cristina Mateos, Carlota Moreno, Ana Pérez, Nuria Pérez, Ana Moreno, Claudia Roca, María Méndez, Einer Eistrup, Juan Manuel Castro, Lucía Sutil, Pilar Gómez, Raúl Collantes, Álvaro Mena. Con la colaboración especial de Pepa Muriel. Género: Comedia Dramática. Formato: HD.

A Sweet Hello, una pieza que explora conceptos como el tiempo y su relación con la soledad, el primer amor y sus consecuencias, y el amor romántico pasado por la mirada contemporánea. La obra se articula alrededor de una narrativa que quiere reconciliar el gran público con la danza contemporánea. Dibuja una historia que todo el mundo puede llegar a reconocer como propia: Joel es un hombre tímido y con un gran corazón que no sabe a quién regalar. Quizás hoy es su día de suerte cuando encuentre a Lin e intercambien un «sweet hello». Intérpretes: Nadine Gerspacher y Jefta Tanate.

Director: Nicolas Ricchini.

Música original: Alvaro Arjona & Josep Maria Baldomà.

Iluminación: Llorenç Parra. Fotografía: Marta Cortés Fernández.

Vídeo: Johann Pérez.

Producción, Gestión, Distribución: Big Story Performing Arts. Con el soporte de Centre Cívic de la Barceloneta.

Agradecimientos a Lali Ayguadé, Jordi Oriol.

Niña Astronauta está inspirada en el caso real de Nicol Aravena, una joven de trece años de Villa Alemana que padeció de Xerodermia pigmentosa, un tipo de cáncer de la piel sin sanación. Nicol no puede salir de su habitación debido al daño que le producen los rayos ultravioleta de la luz solar. Sin embargo, está a la espera de un traje confeccionado por la NASA para mejorar su condición. Dentro de su habitación recibe la visita diaria de su único amigo, Vittorio, y juntos buscan dar respuestas a sus propias dificultades. La mayor preocupación de Nicol es dejar una huella en el mundo, por eso mismo le importa tanto la única entrevista que le hicieron, ya que le ofrece la oportunidad de perpetuarse en el tiempo al igual que la imagen televisiva más popular de la historia: la caminata lunar de Neil Armstrong.

Dirección y dramaturgia: Eduardo Luna.

Asistente de dirección: Carolina Castro.

Elenco: Pamela Alarcón y Sebastián Silva.

Diseño de escenografía, iluminación y gráfica: Javier Alvarado.

Diseño de vestuario: Karla Rodríguez.

Vídeo: Luciano Muñoz.

Producción: Lafamiliateatro, Javiera Severino.

Un viaje interestelar con la compañía ZH Spacelines acaba accidentado. Sus tripulantes se verán atrapados en un planeta inhóspito donde no hay nada. Esta situación hará que empiece una guerra de poderes y se enfrenten con sus estigmas terrícolas. Una pieza que trata sobre el aislamiento, la falta de comunidad de la sociedad actual y la esperanza.

Director artístico: Genís Farran.

Ayudante de dirección: Montse Pelfort.

Intérpretes: Jon Arrizabalaga, Montse Bosch, Saray González, Montse Pelfort.

Escenografía: Enric Porta.

Mímí se inspira en el dualismo de Platón, donde el ser humano es un alma condicionada por un cuerpo con influencias del entorno terrenal en el que le ha tocado vivir. Amanece con el nacimiento de Mímí, formada por dos sustancias independientes, alma y cuerpo, que buscan no separarse en el devenir de su existencia. Atardece con el crecimiento de ambas, llenándose de experiencias desde la inocencia y la curiosidad hasta que una influencia externa llega para seducirlas, provocando que las decisiones que tomen estén impulsadas por el miedo, quedando atrapadas en ellas mismas. Anochece con el transcurso de una vida que ha pasado, que no puede ser cambiada, pero sí reescrita para el futuro. Ahora, percibiendo un cambio, cuerpo y alma se reconcilian y caminan juntas hacia un destino desconocido.

Idea original e intérpretes: Cristina Salvador y Rocío Barriga.

Dirección Musical: Cristina Salvador.

Dirección Coreográfica: Rocío Barriga.

Diseño de Iluminación: José Luis Palomino.

Producción: Alejandro Barriga. .

SALT es una aproximación al conflicto migratorio desde la visión de la compañía Fil d’Arena dansa-teatre. Presenta una reflexión que explora las conexiones entre la migración y el género, el viaje y las dificultades a que se enfrenta la mujer en la búsqueda de un futuro mejor. Se suma a las dificultades del migrante la condición de ser una mujer migrante. El lenguaje físico extremo de las intérpretes y las imágenes que se generan con sus cuerpos invitan a reflexionar alrededor del rol de la mujer en este trayecto. Una pieza donde el ingenio (humor) y la crueldad cuelgan de un mismo hilo. Tres mujeres en escena que combinan la fuerza y la sensibilidad a través de una danza acrobática y con riesgo. Una música que nos ayuda a trasladarnos a diferentes mundos y realidades y una interpretación que hacen que SALT sea una pieza que, desde lo abstracto de la danza va a lo más concreto a través de textos e imágenes evocadoras.
Dirección: Fil D’Arena Dansa Teatre.
Intérpretes: Isabel Abril, Irene Ballester y Roseta Plasencia.
Asesor coreográfico: Roberto Olivan.
Creación sonora: Isabel Latorre.
Diseño: Assad Kassab. Iluminación: Ximo Rojo.
Vestuario: Los Reyes del Mambo. Producción ejecutiva: Clara Crespo.

La pieza 43º13’44’’N es el resultado del proceso de búsqueda de la autora en la memoria familiar y colectiva. Es una historia encontrada de camino a otro lugar, dónde los mecanismos de la imaginación consiguen rellenar huecos que la memoria no tiene. Son las fotos que no nos dio tiempo a hacer, los barcos que no nos dio tiempo a coger o las balas que jamás nos dio tiempo a sacar. Un cuaderno bitácora en forma de performance y teatro documento. De biografía política.
Dirección y Dramaturgia: Olatz Gorrotxategi.

Intérprete: Olatz Gorrotxategi.

Edición de video: Indi Costa.

Testimonios: Adolfo Pastor, Angels Berengueres, Carlos Hernández, Francisco Hernando, José Antonio Naves, José Luis Muriel, Julián de la Morena, Kepa Solís, Liliana Aceves, Mireia Arangoitia, Pilar Muñoz, Xabier Roig.

Solo creo en el fuego es un juego de espejos que toma textos de los escritores y amantes Anaïs Nin y Henry Miller (los diarios de ella, las novelas de él y, sobre todo, la correspondencia entre ambos durante 20 años) para hacerlos colapsar con la autobiografía, los sueños y complejos de Ángela y Carlos, los creadores de la obra. Con vocación metateatral, rupturas en el tono y una mutante puesta en escena, la obra es un delirante viaje de saltos espacio-temporales que nos lleva a explorar la vocación artística, los límites y la censura del creador, la autobiografía como canal de inspiración -sus causas y sus consecuencias-, y el papel de la sexualidad y el inconsciente. Inspirada en textos de Anaïs Nin y Henry Miller.

Dirección, dramaturgia, interpretación, escenografía, puesta en escena, proyecciones y vestuario: Carlos Martín-Peñasco y Ángela Palacios.

Ayudantes de dirección y diseño de luces: Paloma Remolina Gallego y Laura Cortés.

Asistente de iluminación y sonido: Lluís Gutiérrez. Fotografía: Carlos Montilla.

Vídeo: Rubén Rocha, Nico Aguerre y Carlos Martín-Peñasco.

¿CUÁL ES EL PRECIO DE MI CONSERVACIÓN?
Tengo 33 años. Desde que nací, consumo medicamentos. La farmacia empleada en mí hasta el momento tiene precio carísimo que el gobierno de España costea. ¿Cuánto vale mi vida? ¿Cuál es el precio de mi conservación? ¿Qué sistema sustenta mi supervivencia? La Farmacia es la industria del mundo con mayor beneficio económico. ¿Qué ocurre al otro lado del mundo para que la sanidad española pueda comprar medicamentos tan caros a las farmacéuticas? ¿Cuáles son las circunstancias políticas, económicas, sociales, geográficas, etc. que me permiten tomar medicamentos en esta parte del mundo? ¿Qué le pasaría a mi cuerpo si no las tomara? ¿Cuánto tiempo tardaría en morir?
Idea y performer: Juan José Morales “Tate”.
Colaboradores del proyecto: Pompeyo Viciana (Investigador médico especializado en VIH).
Irmina Majchrzak (Historiadora de Filosofía).
Nicholas Chandler (Carpintero).

Nuevo Zoologique Mexicano es una obra que circula entre la performance, la danza, la teatralidad y la exposición museográfica. Una reflexión y crítica a la folklorización y exotización del mundo subalterno. Una vitrina, un zoológico, un dispositivo de poder emplazado en espacio público, donde el cuerpo de un bailarín folklórico mexicano es exhibido, accionado y violentado por el que mira desde el deseo de recibir eso que solo él sabe hacer, eso que solo él sabe ser. La experticia se concentra y se despliega, la cosmovisión de un territorio en un cuerpo, a través de su movimiento. Lo exótico, lo distinto, lo que nos embruja, lo diverso, lo que atrapa la mirada… se expone ante el ojo del curioso, del poderoso, del ingenuo, del perverso, del neófito, del experto, del ciudadano. Una reflexión escénica activa, actual y recontextualizada, inspirada en los zoológicos humanos realizados en la Exposición Universal “Jardin Zoologique d’Acclimatation” en París a fines del siglo XIX. Feria de atracciones donde exhibieron, a ojos de ciudadanos europeos, a nativos de diversas latitudes del mundo, por ser considerados salvajes, bárbaros y exóticos. Secuestrados y encerrados en rejas contra su voluntad para la curiosidad, divertimento y perversidad de los visitantes.

Dirección y concepto: Rosa Landabur.
Intérpretes: Alberto Montes y Rolando Hernández.
Diseño Escénico: Aurelio Palomino.

“Soy mujer. Y un entrañable calor me abriga cuando el mundo me golpea. Es el calor de las otras mujeres, de aquellas que hicieron de la vida este rincón sensible, luchador, de piel suave y tierno corazón guerrero.” Alejandra Pizarnik. Mucha Muchacha se sitúa como una propuesta arriesgada de danza española, generada por la fuerza, el trance del bucle, el esfuerzo y el agotamiento físico. El cuerpo se entiende verdaderamente entre dos mundos: el tradicional y el contemporáneo. Desde lo más natural y orgánico a lo más aprendido y reglado, y en un sentido, artificial. Mucha Muchacha es un proyecto de danza del ahora, una declaración de intenciones alrededor del movimiento, la comunidad, la feminidad y el rito.
Dirección: Mucha Muchacha.
Coreografía: Mucha Muchacha.
Asesoría artística: Celso Giménez.
Interpretación: Ana Botía, Marta Mármol, Belén Martí Lluch y Marina de Remedios.
Diseño de vestuario: Las Modistillas Flamencas y Mucha Muchacha.
Realización de vestuario: Las Modistillas Flamencas.